Texturas

La textura es el aspecto externo que presentan las superficies de las formas y nos informan del material del que están hechas. Las texturas naturales son aquellas que tienen las superficies y cuerpos de la naturaleza: el tronco de un árbol, la piel de un animal, etc. Las texturas artificiales son aquellas superficies que tienen los objetos fabricados por el ser humano: la superficie de una pared, lasuperficie de un coche, etc. Las texturas visuales son las que podemos percibir sólo a través del sentido de la vista. Por ejemplo, la veta del mármol, de la maderao el trazo de un lápiz.

En las imágenes de arriba vemos ejemplo de textura visual de los artistas Miguel Recuero y Paco Segovia, respectivamente.

El espacio en la composición

En la mayoría de las ocasiones, cuando hacemos una fotografía, tendemos a rellenar todo el encuadre con el objeto elegido como punto de interés. De hecho, esta es una de las recomendaciones más básicas de composición en fotografía. Hay una excepción a esta sugerencia: la aplicación del espacio negativo. El espacio negativo es un elemento compositivo que nos permite reforzar el tema de una imagen.
Consiste en mantener un fondo uniforme, sin elementos distractores, situando el centro de interés en alguna parte de la fotografía. Al mantener este fondo uniforme, la vista se centra en el centro de interés.

Ejemplo de silencios en la fotografía.

Otros ejemplos de silencio en la pintura de Guillermo Oyágüez.

Paisaje

Puente de Brooklyn

Lo que he intentado con esta obra es componer, la simetría del formato cuadrado se rompe con la diagonal que marca el puente y para equilibrar esa fuerte tensión que se produce, el color del cielo con las nubes equilibrará la balanza. O al menos es lo que he intentado con este trabajo.

Isabel Muñoz

(Barcelona) 1951, fotógrafa española afincada en Madrid.
Sus fotografías, casi siempre en blanco y negro, son un estudio humano mostrando partes del cuerpo, imágenes de guerreros, toreros o bailarinas, usando un proceso minucioso y artesanal de revelado:
Todas las fotografías son contactos de gran formato, realizados por la artista directamente del negativo, utilizando el antiguo proceso del platino. En este proceso la artista debe prepararse ella misma el papel aplicándole, como si de pintura se tratase, una solución de platino. Más tarde los negativos, que deben tener el mismo tamaño que la fotografía final, se ponen en contacto directo con el papel preparado, para ser expuestos a la luz bajo una gran prensa de contactos. Una vez terminado este proceso, las imágenes son reveladas y lavadas a mano en grandes bandejas.
Web de Isabel Muñoz

Comentario de su exposición en el centro cultural de Fuenlabrada CEART

Mi impresión al recorrer esta exposición fue un tanto poética al ver el tipo de papel que utiliza como soporte y el color en blanco y negro otorga a la imagen de una visión como si de un recuerdo se tratara. Juega con la dualidad de los personajes al no saber si son hombres o mujeres los retratados, porque no es esto lo que importa sino sus cuerpos desnudos "vestidos" con pintura y algunos con escarificaciones lo que nos deja pensando quién está desnudo... nosotros o ellos?... durante este recorrido de su obra, el expectador tiene la oportunidad de cuestionarse, y de volver a mirar desde otro punto de vista, la estampa de estos guerreros de mirada penetrante pero serena como marcando su territorio, una manera de decir: "aquí estoy y éste en mi sitio", con una dignidad absoluta, esas mujeres de piernas esbeltas y fuertes con esos cuerpos adornados de marcas escarificadas que llevan con orgullo su marca de condición social, pues esta es única y las hace individuales. Estas marcas que lucen sus cuerpos nos habla de su historia, sus costumbres y su cultura, y de cada ser en particular ya que son diferentes, y la impronta que queda marcada para siempre demuestra su valentía (debe doler mucho al hacércelas y deben aguantar el dolor, ya que si se movieran, la marca torcida sería la demostración de cobardía y el recuerdo de la vergüenza para siempre). En cada retrato lo que logra Isabel, es exaltar el individuo, haciéndolo único e irrepetible entre contrastes y dualidades dónde remarca constantemente el cuerpo como territorio.

Vik Muniz

Este artista extraordinario de orígen brasileño que se inspira con elementos cotidianos como spaguettis o mermelada o chocolate para hacer arte. En el siguiente enlace el artista nos cuenta un poco su proceso de creatividad en un vídeo, espero que disfruten aunque está en inglés se entiende bastante bien.

Obras de mis favoritos

Evaristo Palacios Yuste (Cáceres) 1956

El Ritmo

Las masas dependiendo de su superficie y su tono tienen un peso y éste debe equilibrarse en la superficie del cuadro.
La dirección del trazo, de la pincelada, pueden crear un fuerte ritmo. Obsérvese en las obras de los impresionistas, especialmente Van Gogh.

El Ritmo es la sucesión ordenada de líneas, masas y tonos desarrollados en una superficie.Esa sucesión es el movimiento dentro de la unidad en el cambio. Componer es distribuir de manera armónica,con ritmo.

El formato de la obra.

El formato

La forma y orientación de una superficie se llama formato. La elección del formato de una obra es importante, ya que, según sea, posee unas cualidades emotivas diferentes.Formato vertical: sensación visual de equilibrio y elevación. Se ha utilizado mucho para temas religiosos porque potencia el sentido de elevación y espiritualidad.Formato horizontal: Calma y estabilidad. Muy utilizado en temas de paisaje y en bodegones, donde ayuda a crear el efecto de orden de sus elementos.Formato circular: Movimiento envolvente.Formato cuadrado: centra la visión y equilibra las tensiones visuales.Formato triangular: da gran estabilidad a las formas situadas en su base y limita la expansión de las formas en la parte superior.










Formato circular








Formato cuadrado

Formato Horizontal

La armonía y el contraste

Formas compositivas del Color:

" Cada uno de los matices presentes en tu obra queda alterado por cada toque que añadas en otros lugares; de modo que lo que hace un minuto era caliente, se torna frío cuando pones un color mas caliente en otro lugar, y lo que estaba en armonía cuando lo dejaste se torna discordante al ponerle otros colores al lado". (John Ruskin)


Armonizar, significa coordinar los diferentes valores que el color adquiere en una composición. Cuando en una composición todos los colores tienen una parte común al resto de los colores componentes. Armónicas son las combinaciones en las que se utilizan modulaciones de un mismo tono, o también de diferentes tonos, pero que en su mezcla mantienen los unos parte de los mismos pigmentos de los restantes.

El Contraste se produce cuando en una composición los colores no tienen nada en común no guardan ninguna similitud.

En el siguiente enlace se amplia en detalle la combinación de estas mezclas para producir armonía o contraste en la composición.

Maestría de Velázquez en la composición

En el siguiente enlace un vídeo sobre la composición de este artista extraordinario.

Para ver el vídeo pinche aquí.

La composición fotográfica

Las trece reglas de composición fotográfica:

¿Cual es la diferencia entre una buena y una mala fotografía? Asumiendo que los colores han salido correctamente al imprimirla y la exposición y el enfoque son correctos, existen una serie de elementos sobre los que los fotógrafos hablan continuamente al evaluar una foto, que son las "reglas de composición". Dependiendo de con quien hablemos, nos darán unas reglas u otras. En el siguiente artículo repasamos algunas de las más relevantes a modo de resumen.

1. Identifica el centro de interés
Cada fotografía tiene (o debería tener) un centro de interés. ¿De qué es la foto? ¿Es una fotografía de tu novia? ¿Es una fotografía de las pirámides de Egipto? Debería ser obvio para cualquiera que mire una fotografía saber de qué es la foto. Es lo que se denomina el centro de interés.
Aunque se denomine centro, el centro de interés no tiene que ser necesariamente el objeto que esté en en el centro de la foto ni ser el objeto que ocupa la mayor parte de la imagen.
Es la primera regla de una buena composición, ya que es la más importante. Simplemente decide antes de disparar el motivo sobre el que quieres tomar la fotografía. Todo lo que hay que hacer a partir de ahí es enfocar el elemento sobre el que queremos centrar el interés

2. Rellena el encuadre (Fill the frame)
Esta regla puede parecer bastante obvia, pero lo cierto es que muchas veces fallamos al aplicarla. Si queremos contar algo en una foto, ocupemos la mayor parte con ese "algo", asegurándonos que se convierte de este modo en el centro de atención. Además, de este modo eliminamos posibles elementos que resten atención.
Es un fallo demasiado común el querer sacar demasiadas cosas en una única foto. Al final, lo que conseguimos es que no quede demasiado claro qué es lo que queríamos enseñar. Ante la duda de si algo debe salir o no en la foto, quitalo.

3. Apóyate en las líneas
Las líneas son un elemento de importancia vital en las artes visuales. Las líneas nos aportan formas y contornos. Con las líneas dirigimos la mirada del espectador de una parte de la foto a otra.
Cuando vayas avanzando en el mundo de la fotografía podrás comprobar cómo las líneas son uno de los elementos más eficaces a la hora de dirigir la mirada de quien contempla nuestras fotos hacia donde queremos que mire. Las líneas horizontales, verticales y diagonales son elementos compositivos que aportan significado a las imágenes.
Un tipo especial de líneas son las líneas convergentes. Son las líneas paralelas que, por el efecto de la distancia, acaban convergiendo en un mismo punto.

4. Trabaja el flujo
Después de las líneas, podemos tratar el flujo. El flujo es el modo en el que la mirada del espectador se desplaza de una parte de la fotografía a otra. Una manera de definir el flujo de una fotografía es mediante el uso de líneas. Pueden ser horizontales, verticales, diagonales, convergentes o divergentes. A veces el flujo creado por las líneas es nítido y claro, como los laterales de un edificio que convergen hacia el cielo), o pueden ser menos obvias. Sin embargo, la mirada del espectador debería ser capaz de recorrer los elementos de una parte a otra de la imagen.
El flujo crea la ilusión de movimiento (o ausencia de movimiento si se desea). Las líneas diagonales se consideran generalmente más "dinámicas", mientras que las líneas horizontales y verticales se consideran más "estáticas". Un equilibrio cuidadoso de elementos estáticos y dinámicos dará un sentido global de movimiento a tus fotografías.

5. Juega con la dirección
La dirección es similar al flujo. También crea la ilusión de movimiento. Si hay algo en la fotografía que parezca estar en movimiento, tiene una dirección en la que se mueve.
Un ejemplo de esto son las luces de peatones de un semáforo. Cuando está en rojo para los peatones, la figura representa un peatón inmóvil, con las piernas juntas y los brazos bajados. Visualmente, no tiene ninguna apariencia de estar en movimiento. Sin embargo, la figura del peatón en verde que permite cruzar tiene una dirección en la cual se está moviendo. La dirección en fotografía se puede cerar de muchas maneras. Una figura a punto de cruzar una calle puede transmitir movimiento aunque la veamos estática y no se muevan sus brazos y sus pies, porque podemos imaginarla un segundo después cruzando la calle. Del mismo modo, un coche que aparece cortado en el lado izquierdo de una fotografía en la que solo se ve su parte delantera, podemos imaginarlo un segundo después al lado derecho de la foto.

6. Los elementos repetidos
La repetición de algún elemento (unos globos, unos pájaros), dan un sentido de relación de distintas partes de una imagen.
Por ejemplo, una bandada de pájaros pueden estar moviendose en grupo por el aire, definiendo formas interesantes en el cielo y añadiendo información sobre la dirección de la fotografía.
En algunas ocasiones puede aportar factores psicológicos, como el sentido de la unión y el compañerismo.

7. Los colores siempre dicen algo
Existen dos tipos de colores, los cálidos y los fríos.
Los rojos, naranjas y amarillos forman parte de la gama de colores cálidos.
Los azules, verdes y violetas forman parte de la banda de colores fríos.
Existen muchos elementos psicológicos ligados a los colores. Por poner un ejemplo, los azules se consideran colores tranquilos, mientras que lo rojos son más temperamentales. Existe mucha literatura al respecto de la psicología del color, por lo simplemente resumiremos que el color tiene una importancia determinante en la composición.
En materia de colores hay que prestar atención también al contraste. El contraste se define como la diferencia de luminosidad entre las partes más claras y más oscuras de nuesta foto.

8. El interés de los grupos de tres
Parece existir una percepción especial de los números impares en fotografía, y en especial de los grupos de tres elementos.
Un único elemento puede transmitir soledad o aislamiento, con dos elementos una foto puede quedar demasiado bien equilibrada y estática, y cuatro elementos pueden resultar demasiados para distribuir.
Por algún motivo que no se explicar, a las personas nos gusta el número 3. En fotografía suele funcionar la agrupación de tres elementos como centro de interés.

9. La regla de los tercios
Ya escribimos un artículo que explicaba la regla de los tercios con más detalle. Si nos fijamos en obras de arte en cualquier museo, podremos comprobar que si dividimos un cuadro en cuadrículas de igual tamaño de 3x3, las cuatro intersecciones de las cuadrículas dentro del cuadro marcan los puntos de interés.
Trazando esta cuadrícula imaginaria sobre la mayoría de las obras nos daremos cuenta de que elementos fundamentales del cuadro recaen sobre esas intersecciones: ventanas y puertas, ojos, líneas de horizonte, picos de montañas, ... Está comprobado que llevando nuestro punto de interés a uno de esos cuatro puntos conseguimos una imagen mucho más interesante.
En este sentido, reseñar que existen cámaras que permiten visualizar en su LCD una rejilla (grid en inglés) para trabajar con los tercios, por lo que os animo a que reviseis el manual de vuestra cámara si considerais que os puede ayudar a la hora de mejorar la composición.

10. El espacio negativo
Se considera espacio negativo los grandes espacios vacíos, normalmente en blanco o negro, dentro de una fotografía, normalmente a un lado.
El alejamiento del elemento central de la imagen, rellenando el resto de la foto de un espacio vacío nos permite transmitir una información adicional de soledad, aislamiento o calma a la imagen.
Aunque no es un recurso que vayamos a utilizar habitualmente, no está de más conocerlo. Está enfrentada a la regla de composición consistente en rellenar el encuadre comentada más arriba en este mismo artículo.

11. Trabajando las tres dimensiones: frente y fondo
El contenido del frente y del fondo de una foto es importante. Tanto en el fondo como en el frente tienen aplicación otros elementos compositivos como los colores o las líneas.
Lo importante en el frente y en el fondo es que no haya demasiados detalles que puedan distraer la vista del espectador del centro de interés.
La mejor herramienta con la que contamos para marcar la diferencia entre el frente y el fondo de nuestras fotos es la profundidad de campo. Gracias a la apertura del diafragma que utilicemos a la hora de hacer fotografías, conseguiremos mayor o menor nitidez en el fondo.

12. El enmarcado natural
Existen elementos que pueden ayudar a poner un marco al centro de interés de la foto.
Algunos de estos elementos son muy claros, tapando completamente parte de la foto, como puertas, ventanas o puentes.
Otros actúan de una forma menos clara, simplemente orientando nuestra vista. Es el caso de las señales de tráfico o las ramas de los árboles, ...
Cualquier elemento que "encierre" el centro de interés nos permitirá enmarcar la foto, dirigiendo la atención hacia el elemento deseado.

13. Las curvas en S
Las curvas en "S" son un elemento muy recurrente en fotografía. Está relacionado con la sensualidad. También transmiten moviento y ayudan a conducir la mirada.
En la vida cotidiana encontramos muchos recursos que nos permiten aplicar curvas en "S" en nuestras fotografías. Una carretera, un camino, el curso de un río, ... Son elementos visuales muy potentes que dan interés a la fotografía.

Leyes de la Gestalt

La mente configura, a través de ciertas leyes, los elementos que llegan a ella a través de los canales sensoriales (percepción) o de la memoria (pensamiento, inteligencia y resolución de problemas). En nuestra experiencia del medio ambiente, esta configuración tiene un carácter primario por sobre los elementos que la conforman, y la suma de estos últimos por sí solos no podría llevarnos, por tanto, a la comprensión del funcionamiento mental. Este planteamiento se ilustra con el axioma; el todo es más que la suma de sus partes, con el cual se ha identificado con mayor frecuencia a esta escuela psicológica.



Ley de la proximidad: En igualdad de las demás condiciones, tendemos a percibir como juntos (o como un mismo objeto) los elementos más próximos en el espacio o en el tiempo

Ley de la semejanza: En igualdad de las demás condiciones, tendemos a percibir como parte de una misma estructura u objeto los elementos semejantes








Ley del cerramiento: En igualdad de las demás circunstancias, tendemos a clausurar las brechas existentes en una posible figura con líneas incompletas


Ley de la buena continuidad ( o de la buena forma): En igualdad de circunstancias, tendemos a percibir como parte de una misma figura los estímulos que guardan entre sí una continuidad de forma.Esta ley establece que los objetos vistos como de forma simple son más fáciles de recordar. Por ejemplo, un polígono puede ser visto como "casi redondo". Asociar una forma "nueva" al concepto familiar del círculo requiere menos capacidad de almacenamiento que recordar la nueva forma que vemos realmente.


Ley del movimiento común: En igualdad de circunstancias, tendemos a percibir como grupo o conjunto aquellos elementos que se mueven conjuntamente o se mueven del mismo modo, o que se mueven reposadamente respecto a otros.

Ley de pregnancia: En igualdad de circunstancias, tendemos a percibir como unidad aquellos elementos que presentan el mayor grado de simplicidad, simetria, regularidad y estabilidad (buenas formas)

Ley de la experiencia: La experiencia previa del sujeto receptor interviene, junto con los aspectos citados anteriormente, en la constitución de las formas percibidas




Ley de figura fondo: La percepción se efectúa en forma de "recortes"; percibimos zonas del campo perceptual en las que centramos la atención y a las que llamamos "figura" y zonas circundantes que quedan justamente en un plano de menor jerarquía a la que denominamos "fondo". Este fenómeno tiene que ver con la anatomía del ojo, cuya retina en su zona central posee una mayor cantidad de receptores que en la zona periférica lo que ofrece una zona de mayor definición. de la misma forma funciona la conciencia, con un foco al que llamamos "figura". El conjunto figura-fondo constituye una totalidad o gestalt. Esto significa que no existe figura sin un fondo que la sustente.

La forma

¿Qué es la forma?
La forma material de un objeto viene determinada por sus límites: el borde rectangular de un pedazo de papel, la dos superficies que delimitan los lados y la base de un cono. La forma perseptual puede cambiar considerablemente cuando cambian su orientación espacial o su entorno. Las formas visuales se influyen se influyen unas a otras. La forma de un objeto no viene dada sólo por sus límites; el esqueleto de fuerzas visuales creado por los límites puede influir, a su vez, en el modo en que éstos sean vistos.
La forma perseptual es un juego recíproco enre el objeto material, el medio luminoso que actúa como trasmisor de la información y las condiciones reinantes en el sistema nervioso del observador.
La influencia de la memoria se acrecienta cuando una fuerte necesidad personal hace que el observador quiera ver objetos de determinadas propiedades persepuales. Dice Gombrich: "Cuanta mayor importancia biológica tenga para nosotros un objeto, más sintonizados estaremos a reconocerlo, y más tolerantes serán nuestros criterios de correspondencia formal"

La tensión en la imágen

El peso visual
Dos propiedades de los objetos visuales ejercen especial influencia sobre el equilibrio: el peso y la dirección.
Cuando contemplamos un cuadro, su peso parece producir una tensión a lo largo del eje que los une con el ojo del observador y no es fácil definir si los apartan del observdo o si empujan hacia ella. La tensión no se orienta necesariamente a lo largo de una dirección contenida dentro del plano pictórico. Los elementos que influyen en el peso visual son:

La ubicación: Una posición fuerte sobre la armazón estructural, puede soportar más peso que otra que esté descentrada o alejada del eje vertical u horizontal centrales, significa que un objeto que esté en el centro puede ser contrapesado por otros mas pequeños descentrados.

La profundidad espacial: Las vistas que llevan la mirada al espacio lejano, tienen un gran poder contrapesante. Cuanto mayor sea la profundidad a que llegue una zona del campo visual, mayor será su peso. En la persepción, la distancia y el tamaño van correlacionados, de manera que un objeto más distante parece mayorque si estuviera situado cera del plano frontal de cuadro.

El tamaño: El objeto de mayor tamaño será el más pesado.
El color: El rojo es más pesado que el azul y los colores claros son más pesados que los oscuros.
( por ejemplo la manta cubrecama del cuadro de Van Gogh que representa su dormiorio)

El interés intrínseco: Una zona de una pintura puede atraer su atención por el tema representado o bien, por su complejidad formal, su grado de complicación u ora peculiaridad.

El aislamiento: El sol o la luna en un cielo vacío son más pesados que un objeto de aspecto similar rodeado de otras cosas.

La forma: La forma regular de las figuras geométricas simples las hace parecer más pesadas. (Efecto que se aprecia en las pinturas de Kandinsky, los círculos o cuadrados confiere un acento más fuerte que otras formas menos definibles).

Las sinestesias: Acústicas o táctiles en algunas obras generan cierta tensión.

La divina proporción

¿Qué es la proporción aurea?
Es la división armónica de una recta en media y extrema razón. Es decir que el segmento menor, es al segmento mayor, como éste es a la totalidad de la recta. O cortar una línea en dos partes desiguales de manera que el segmento mayor sea a toda la línea, como el menor es al mayor. De esta manera se establece una relación de tamaños con la misma proporcionalidad entre el todo dividido en mayor y menor, esto es un resultado similar a la media y extrema razón, Esta proporción o forma de seleccionar proporcionalmente una línea se llama proporción áurea, se adopta como simbolo de la sección áurea (Æ ), y la representación en números de esta relación de tamaños se llama número de oro = 1,618.


Los Egipcios descubrieron la proporción áurea por análisis y observación, buscando medidas que les permitiera dividir la tierra de manera exacta, a partir del hombre, utilizando la mano, el brazo, hasta encontrar que media lo mismo de alto que de ancho con los brazos extendidos y encontraron que el ombligo establecía el punto de división en su altura y esta misma ,se lograba de manera exacta, rebatiendo sobre la bases de un cuadrado, una diagonal trazada de la mitad de la base a una de sus aristas. La proporción áurea, paso de Egipto a Grecia y de allí a Roma. Las mas bellas esculturas y construcciones arquitectónicas están basadas en dichos cánones.
En los recién nacidos el ombligo divide el cuerpo en dos partes iguales, en un cuerpo desarrollado normalmente, la relación entre la parte superior del cuerpo de la cabeza al ombligo y entre esta y la planta de los pies cumple la denominada media y extrema razón, propia de la sección áurea, es decir 3.5 = 5.8. Vitruvio estableció una afinidad entre el hombre y las figuras geométricas, al descubrir que el hombre de pie con los brazos extendidos puede inscribirse en un cuadrado, si separa las piernas puede inscribirse dentro de un circulo, que tiene como centro el ombligo.
El siguiente enlace es una animación sobre la proporción aurea.

Composición

El equilibrio en la Composición



Cada forma o figura representanda sobre un papel se comporta como un peso, un peso visual, porque ejerce una fuerza óptica.Los elementos de nuestra composición gráfica pueden ser imaginados como los pesos de una balanza. Una composición se encuentra en equilibrio si los pesos de los distintos elementos que la forman se compensan entre sí.Este criterio se aplica principalmente al diseño global, es decir, a la disposición de los elementos sobre la superfície de trabajo. Normalmente se busca este equilibrio, aunque en alguna ocasión se provoca un desequilibrio intencionado para conseguir unos resultados específicos en un diseño.Definimos el equilibrio como una apreciación subjetiva, en la cual, los elementos de una composición no se van a desprender.


El equilibrio simétrico
En una composición se puede conseguir el equilibrio a través del uso de líneas y formas. Todos los pesos deberán estar compensados para obtener el equilibrio ideal.Como medición del peso de las formas y líneas que utilizamos en una composición, se observa la importancia que tienen los objetos dentro del diseño o creación que queremos representar, intentando equilibrar los elementos de mayor importancia con los de menor importancia, y los de mayor peso con los de menor. Clasificamos el equilibrio en dos tipos: simétrico y asimétricoEl equilibro simétrico se produce cuando al dividir una composición en dos partes iguales, existe igualdad de peso en ambos lados. No se encuentran elementos que sobresalgan más que el resto en importancia y peso.Un ejemplo más inmediato de simetría en el mundo orgánico es la mariposa, cuyas alas poseen simetría axial bilateral, en la que el eje es el cuerpo del insecto. Sus dibujos están dispuestos simétricamente respecto al eje. Esta regularidad constituye, a nivel de percepción, un factor estético de armonía.La creación de un diseño simétrico nos transmite una sensación de orden.








El equilibrio asimétrico

Un equilibrio es asimétrico cuando al dividir una composición en dos partes iguales, no existen las mismas dimensiones en tamaño, color, peso etc, pero existe un equilibrio entre dos elementos.En el equilibrio asimétrico, al ser desiguales los pesos a un lado y otro del eje, el efecto es variado.La asimetría nos transmite agitación, tensión, dinamismo, alegría y vitalidad; en este tipo de equilibrio una masa grande cerca del centro se equilibra por otra pequeña alejada del aquel.

El contraste de tono


El contraste actúa a través de la atracción o excitación del público observador, mediante la combinacion diferentes intensidades o niveles de contraste, en el color, el tamaño, la textura, etc. Pueden proporcionar mayor significado a una composición.El contraste de tono se basa en la utilización de tonos muy contrastados, la combinación de claro-oscuro, el mayor peso lo tendrá el elmento con mayor oscuridad. Para que este perdiera protagonismo en el diseño, tendríamos que disminuir la intesidad del tono y redimensionarlo, después, para que no perdiese equilibrio en la composición. Este tipo de contraste es uno de los más utilizados en composiciones gráficas.
El contraste de colores



El tono es una de las dimensiones del color más importantes. El contraste más efectivo se obtiene combinando los diferentes tonos. El contraste creado entre dos colores será mayor cuanto más alejados se encuentren del círculo cromático. Los colores opuestos contrastan mucho más, mientras que los análogos apenas lo hacen, perdiendo importancia visual ambos.



La composición

La composición en referencia al lenguaje visual, supone la organización de los elementos que forman el conjunto de la imagen, con el fin de obtener un efecto de unidad y orden.

Esta ordenación, constituye un sistema jerárquico que pretende trasmitir un significado. De manera que cada elemento encaje con todos con el fin de que alcance un conjunto. Se puede recurrir al empleo de elementos que favorecen la composición, reposada o dinámica. En el caso de la composición reposada los recursos son: constantes, simétricos, rectos, centrípetos, completos, centrados. En el caso de composición dinámica, inconstantes, asimétricos, oblicuos, centrífugos, incompletos y descentrados. A la derecha, ejemplos de composición dinámica y reposada.

El siguiente enlace amplia el tema de la composición a través de un cuadro e incluye ejercicios.

Retratos mas bellos de las historia

PAISAJES

Retratos